TEMA 6 EL TEATRO
ESPAÑOL ANTERIOR A 1936
1- PANORAMA
DE LA ESCENA ESPAÑOLA A PRINCIPIOS DE SIGLO
- En este primer tercio de siglo, el
teatro es, sin duda, el género literario
en el que España tiene menos
que ofrecer al conjunto de la cultura europea.
- El motivo no se debe a la falta de
talentos, sino al rechazo del público aristocrático y burgués de todo teatro
innovador.
Por su naturaleza de espectáculo
los condicionamientos comerciales pesan especialmente sobre el teatro: hay un
predominio de los locales privados, cuyos empresarios han de tener en cuenta
los gustos del público y éste pertenecía casi exclusivamente a la aristocracia
y la alta burguesía.
De estas circunstancias se derivan
limitaciones y problemas en dos terrenos: en lo ideológico, son escasas las
posibilidades de un teatro que vaya más allá de donde puede llegar la capacidad
autocrítica del público burgués y aristocrático; en el campo de la estética se
observarán fuertes resistencias ante cualquier experiencia innovadora que no se
comprendiera.
A ello también contribuían los grandes
actores de la época, quienes buscaban obras para su lucimiento personal y
perpetuaban la actuación declamatoria, que buscaba el aplauso tras cada escena
e incluso la exigencia de las repeticiones, como en la ópera. Entre ellos y los
empresarios, que no querían correr riesgos de ninguna especie, obstruyeron la
entrada en España de un teatro diferente, que ya estaba asentándose en los
escenarios europeos y americanos.
Por tanto, aquellos autores que, por
razones ideológicas o estéticas, no respondan a las condiciones imperantes, se
verán ante el penoso dilema de claudicar ante ellas o de resignarse a que su
producción quede relegada a la lectura minoritaria.
- No se dieron casos como en el
siglo de oro, en que autores como Calderón y Lope de Vega hicieron una gran
literatura y, además, gustaban a las masas.
Así, autores como Valle Inclán
quedaron casi totalmente eclipsados por una interminable sucesión de
dramaturgos populares que tuvieron el don de dar a su público lo que éste
quería.
- Teniendo todo esto en cuenta,
podemos distinguir en este primer tercio de siglo distintas tendencias
dramáticas que se reparten en dos frentes: el teatro que repite unos moldes
antiguos y triunfa y el innovador que en líneas generales no logra el éxito
(salvo García Lorca)
2-EL
TEATRO TRADICIONAL OUE TRIUNFA
Distinguimos
dos líneas:
1- Una comedia burguesa, con Jacinto
Benavente y sus seguidores, en la que hay tolerables atisbos de crítica social.
2- Un teatro cómico en el que
predomina un costumbrismo igualmente tradicional
2.1- Jacinto Benavente y la comedia burguesa: Jacinto Benavente (1866-1957) es la figura más representativa de las posibilidades y
limitaciones de la escena española a principios de siglo.
- Autor de 172 obras a lo largo de
su extensa y triunfal carrera, mantuvo unas constantes desde su inicio a
finales del XIX hasta su final, bien avanzado el siglo XX. Frente a los excesos
y estridencias del teatro anterior (sobre todo el de Echegaray), caracterizado
por sus interjecciones clamorosas, parlamentos patéticos a beneficios del
intérprete y situaciones extremadas al borde de la caricatura, Benavente
plantea un nuevo teatro basado en la natural formal de los diálogos, acciones y
personajes que se expresan en un castellano bastante próximo a la lengua usual
de la época.
- Su obra dramática consigue actualizar la escena
española, poniéndola a tono con el realismo imperante en la europea. Sin
embargo, este afán suyo por reflejar la actualidad no sólo es característica
determinante de su dramaturgia, sino también la causa de su caducidad. Significativamente,
las dos obras más valiosas de su producción (Los intereses creados
y La malquerida) son de las que más se alejan de aquella
pretensión.
- Su irrupción en las tablas fue escandalosa con El nido ajeno (1894), donde presentaba la situación opresiva
de la mujer casada en la sociedad burguesa de la época. Esto no pudo ser
asimilado por el público burgués, de ahí que en Madrid la obra fuera un fracaso
y se retirara a los tres días del estreno.
- Aprendida la lección, Benavente supo encontrar el
punto crítico adecuado (sátira de pequeños vicios y convencionalismos burgueses
que el público de esa clase puede tolerar), lo cual explica la fácil aceptación
de sus modestas tesis por la sociedad burguesa.
- Arropado por su público y por los empresarios,
Benavente mantuvo su teatro alejado de los nuevos movimientos teatrales
europeos de principios de siglo.
- Su gran valor fue eliminar los residuos del drama
posromántico, proponiendo un teatro sin grandilocuencia y sin excesos, con una
fina presentación de ambientes cotidianos. A ello hay que añadir su ingenio, su
gran conocimiento de la escena y una notable fluidez del diálogo. Sin embargo,
su teatro parece hoy pasado, demasiado anclado en su tiempo.
- Su fama crece con el transcurso del siglo,
siéndole concedido el Premio Nóbel de Literatura. De él arranca una línea
teatral que incluye como inmediatos sucesores antes de la guerra a Linares
Rivas y Martínez Sierra y después de ella a autores como Joaquín Calvo Sotelo,
López Rubio o Luca de Tena. El teatro de todos estos es un teatro de salón,
donde se critican amablemente unas costumbres y se defienden los valores
espirituales tradicionales.
- Podemos clasificar sus dramas en tres grupos, dependiendo
del lugar escénico en que se desarrolla la acción:
1-El
más característico es el de interiores burgueses ciudadanos (Lo cursi,
Rosas de otoño) En ellos retrata a las clases altas con
sus hipocresías, pero encontrando muchas veces justificación o comprensión.
2-
Otros dramas presentan un mundo brillante y exquisito de príncipes y princesas,
localizado en interiores lujosos como yates o palacios.
3-
Dramas que tienen por marco los interiores provincianos. Son amables sátiras
costumbristas de la sociedad burguesa de provincias.
Dentro de este grupo podemos
introducir tres dramas localizados en interiores rurales, entre los que destaca
La malquerida. Trata de un
gran pasión incestuosa. Aunque no le falta fuerza, ni habilidad constructiva,
no acertó con un lenguaje que fuera convincentemente rural y poético a la vez,
como veremos en Valle o en Lorca.
- Es significativo que su mejor drama, Los
intereses creados, no se deje clasificar en ninguna de estas
categorías. Utiliza el ambiente y los personajes de la comedia dell arte
(Polichinela, Arlequín, Pantalón, Colombina) para expresar la tesis de que los
seres humanos son corruptibles e hipócritas.
2.2-
El teatro cómico tradcional: Supone una continuación de una trayectoria iniciada por Ramón de la Cruz en el XVIII y continuada por la
zarzuela a finales del siglo XIX.
2.2.1-Los
hermanos Alvarez Ouintero: A lo largo de más de
doscientas obras repitieron siempre un mismo esquema dramático que les
aseguraba el éxito popular: su teatro buscaba retratar superficial y
amablemente la vida andaluza haciendo caso omiso a cualquier rasgo desagradable
como pudieran ser las tensiones sociales. Nos ofrecen así una Andalucía tópica,
alegre y salerosa donde los únicos problemas eran los sentimentales.
2.2.2-
Carlos Arniches: (1866-1943) Es el autor que ha merecido mayor
interés por parte de la crítica. Distinguimos dos grupos en su producción:
1-
Los sainetes de ambiente madrileño. Casi todos presentan los mismos elementos:
un chulo que se hace valiente y en el fondo es cobarde, un joven trabajador
honesto que, enamorado de una chica, debe enfrentarse al chulo. Finalmente, el
buen chico, aconsejado por una persona con experiencia, ganará y el chulo
recibirá una lección de bravura y honradez.
- Es indiscutible su habilidad en el diálogo cómico,
gracias al uso que hace de un habla castiza en parte creada por él. Sin
embargo, los ambientes y los personajes son demasiado convencionales. Algunos
títulos son El santo de la Isidra , La chica del gato, Don Ouintín el amargao
2-
Su otra vertiente, dominante a partir de 1916, es la que él llamó la tragedia
grotesca.
Es un género más amplio y de
estructura más sólida que el sainete. Rompe con el ambiente falsamente popular
de éste y se abre a una cierta crítica social. Son obras en las que se funden
el elemento cómico y el trágico en una misma situación o personaje, lo cual da
lugar a la caricatura grotesca.
Las
obras más interesantes es La señorita
de Trévelez (1916),
sobre una sangrante broma de unos señoritos provincianos y Los caciques
(1920) donde la visión social alcanza cierta agudeza. La acción de la primera
se desarrola en una ciudad provinciana, donde unos señoritos ociosos deciden
gastarle una broma a uno de ellos firmando con su nombre una declaración
amorosa dedicada a Florita, cursi solterona de la localidad. Ella se ilusiona
de inmediato, está dispuesta a casarse, por lo que los bromistas deciden
contarle la verdad a Gonzalo, el hermano, que indignado, se dispone a darles un
escarmiento. Le apacigua Don Marcelino, catedrático de instituto, que
representa la razón en el marco de aquella sociedad ociosa.
2.2.3-
Pedro Muñoz Seca y el “astracán”: Idéntico éxito popular tuvo un
género llamado astracán, cuyo creador fue Pedro Muñoz Seca. Son obras
descabelladas donde lo único que se persigue es la carcajada del público. Para
ello se utilizaba el chiste fácil y los juegos de palabras. La obra más
importante es La venganza de Don Mendo (1918), parodia del
teatro romántico.
3-
EL TEATRO INNOVADOR QUE NO TRIUNFA
Dentro de este teatro más original que
encontró el rechazo del público, distinguimos dos grupos caracterizados por la
actitud de sus principales representantes y que se corresponden a las dos
generaciones más brillantes de la literatura española contemporánea: la
generación del 98 y la generación del 27.
Los
dramaturgos noventayochistas no hicieron nada por conseguir el favor del La Barraca ” de García Lorca. Recorrían ciudades y
pueblos en busca de un nuevo público, poniendo en escena entremeses cervantinos
y La vida es sueño de Calderón de la Barca.
3.1- Valle Inclán:
3.1.1- Vida:
Nació en Villanueva de Arosa (Pontevedra) en 1866, en el seno de una familia de
linaje aistocrático venida a menos en el terreno económico. Es ésta una primera clave de importancia,
porque ese orgullo hidalgo
- Mal estudiante, abandona sus estudios de Derecho
para intentar forjarse la vida alta y aventurera que había soñado en los
libros. Movido por estas inquietudes novelescas que contestaban con la
mediocridad de la España de la Restauración , marcha a principios de 1892 a México, donde encuentra ese
mundo exótico que su ensoñación literaria necesitaba. Nada más desembarcar en México, protagoniza
su primer gran incidente y acaba a palos con los miembros de la redacción de un
periódico porque, según él, desde sus páginas se ha insultado a España.
- En 1893 regresa a Pontevedra y a finales del siglo
marcha a Madrid. Allí conformará definitivamente su personalidad bohemia en
contacto con los ambientes literarios, haciéndose pronto famoso tanto por su
ingenio como por su facha extravagante.
- Según el Diccionario de la Real Academia , la palabra “bohemia” hace alusión a la vida apurada y
desordenada de artistas y literatos. Efectivamente, Valle, salvo etapas
coyunturales de relativa prosperidad, vivió en la precariedad y la
provisionalidad.
- Son años de ajetreo intelectual en los que mucha
gente joven lucha por la fama y la gloria literaria bajo el elemento común de
la rebeldía frente a la generación anterior.
En
una de las numerosas tertulias de la época, tiene lugar un desgraciado
incidente en el que resulta herido: un bastonazo choca con su brazo y hunde en
la carne el gemelo de la camisa, dando como resultado una infección mal curada
y la amputación del brazo izquierdo.
- Pero su vida literaria continúa. Son los años
(hasta 1907) en que se convierte en el máximo exponente del modernismo en prosa
de la literatura española.
- Su fama ya creciendo, tanto por su arte como por
multitud de anécdotas de su vida excéntrica. En 1907 se casa con la actriz
Josefina Blanco, que le dará varios hijos y de la que se separará al final de
su vida.
- Durante la Primera Guerra mundial visitó Francia y los frentes de batalla aliados
(1915-16), declarándose aliadófilo.
- Ese mismo año, se crea para él una cátedra de
Estética en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, pero
se aburre y la deja, para dedicarse por completo a la literatura sin
preocuparse por las privaciones que sufre con su familia.
- Cada vez más sus posturas políticas se van
haciendo más izquierdistas y en 1929 es arrestado dos semanas por sus escritos
contra la Dictadura de Primo de Rivera.
- La
República lo nombra primero director del Patrimonio Nacional y posteriormente de la Academia Española en Roma, pero en 1935 aquejado de cáncer, vuelve a
España y muere en Santiago de Compostela en enero de 1936.
3.1.2-Personalidad:
Valle Inclán ilustra ejemplarmente una de las respuestas vitales del artista
europeo ante la crisis de fin de siglo: la bohemia.
- La suya fue la difícil existencia del artista
vocacional que se niega a entrar en el mundo de los valores sociales establecidos,
de la “respetabilidad burguesa”. Por tanto, la bohemia era una alternativa para
artistas exigentes, críticos y descontentos de principios de siglo. Expresa un
valor romántico de oposición a la moral establecida. Los artistas bohemios se
marginan voluntariamente del medio social burgués con la intención de formar
una sociedad aparte en la que pueda vivirse colectivamente la pasión del arte.
Existe, por tanto, una sociedad bohemia que se define por oposición a la
sociedad burguesa.
En
su obra cumbre Luces de bohemia, el protagonista absoluto será
ese ambiente de artistas y pensadores marginales que malviven entre la
genialidad y la mediocridad.
La
vida de Valle Inclán manifiesta un extraño empeño por no querer instalarse y
cambiar el difícil ritmo de su existencia. Siempre defendió una especie de
entereza moral que le impide aceptar los mecanismos, muchas veces indignos,
del medro social y económico. Cuando al final de su vida, es nombrado director
del Patrimonio Nacional, dimite por no tolerar que un parlamentario socialista
cace en los jardines de La
Granja. Cuando las autoridades intentan tranquilizar su mala
conciencia mandándole a su casa sobres con dinero, echa a patadas a los que los
traen.
Por tanto, una de las
características de la vida bohemia que cumplió Valle Inclán fue la de sufrir la
miseria económica como consecuencia de su voluntaria decisión de vivir al
margen del mundo burgués.
- Debido a ello el bohemio (y como
tal, Valle Inclán) frecuentará el mundo de la marginalidad social.
- La bohemia reacciona contra el
poder establecido, contra todo lo que constituya una forma de autoridad, lo
cual será también una constante en la vida de Valle Inclán (llegará a ser
arrestado durante la dictadura de Primo de Rivera)
- Aparte de este aspecto de
provocación social que presenta la bohemia, hay en ella también una actitud
modernista heredada del Romanticismo: la entrega generosa e incondicional al
arte. Para los modernistas, la literatura no debe imitar a la literatura,
porque la vida es imperfección, mientras que la literatura es perfección y
plenitud. Se explica así sus intentos de literaturizar la vida. Valle Inclán
representa en su vida el personaje literario que habría querido ser. Su
presencia física y su atuendo son teatrales, como también lo es su entonación
solemne y declamatoria, sus gestos y sus provocaciones.
Esto explica su reacción contra
el mundo literario oficial y contra el realismo literario, que es la corriente
dominante en el mundo literario establecido. Como cualquier otro artista, el
bohemio busca la consagración, pero lo hace rechazando el ser asimilado por el
mundo literario oficial.
- Otra de sus características más
importantes fue su reconocido carlismo. El carlismo era una ideologia
originaria del siglo XIX, de carácter tradicionalista y ultraconservador. Su
base social la constituyen pequeños y grandes propietarios agrarios y sectores
de la Iglesia. Valle idealiza el carlismo
convirtiéndole en la alternativa espiritual al mundo industrial, capitalista y
urbano. Ve en él un modelo de sociedad tradicional, sencilla y ordenada, que
nada tiene que ver con la degradación social y moral del capitalismo, el cual
provoca unas situaciones de miseria que él mismo tuvo que sufrir.
- Sin embargo, con los años, Valle
Inclán se irá decantando hacia posiciones de izquierda radical, tal vez porque,
en el primer tercio del siglo XX, suponen una alternativa más real al
capitalismo burgués que detesta.
3.1.3- Evolución de su obra:
Su teatro constituye la aventura más apasionante del teatro español
contemporáneo, presidida por una insaciable voluntad de renovación técnica,
formal y temática. Desde un principio el
teatro de Valle no se ajustó al espacio escénico de los teatros de su época, lo
cual suponía un rechazo del teatro realista. A partir de Divinas palabras
y Luces de bohemia su teatro exigía técnicas especiales que no se
poseían en su época, lo que implicó su exclusión de los escenarios e incluso la
puesta en duda de la condición dramática de sus obras.
Fue un teatro tan nuevo para su
momento que en España no encontró el eco que debió tener y permaneció
desconocido del gran público. En realidad con su teatro inventa una nueva
dramaturgia y una nueva utilización del espacio escénico. Sin embargo, hoy se
le considera como un autor que supo ver más allá de su tiempo y sus creaciones,
en la actualidad representadas con frecuencia, incluyen aún desafíos que no
siempre son salvadas con facilidad.
- Rara vez Valle adopta la
convencional concepción de la escena como un marco estático dentro del cual se
desarrolla un argumento o un conflicto dramático. Él concibe la obra no sólo en
forma dramática, sino también como una creación de arte plástico, de ahí que
las acotaciones se hagan con el mayor cuidado. Es por ello por lo que en sus
obras tenemos la presencia de distintas artes, especialmente la escultura (las
torres, las fuentes, las estatuas) y la pintura en la técnica visual aplicada
al escenario (colorido, juegos de luz y sombra, etc) Es también especialmente
interesante el uso que hace de técnicas cinematográficas: primeros planos,
panoramas recorridos con la cámara en movimiento, etc
Ese es el Teatro nuevo, moderno. La visualidad. Más de los sentidos
corporales; pero es arte. Un nuevo Arte. El nuevo arte plástico. Belleza viva.
Y algún día se unirán y completarán el Cinematógrafo y el Teatro por
autonomasia, los dos Teatros en un solo Teatro.
Como
vemos en estas palabras suyas, Valle Inclán era consciente de que su creación
auguraba un nuevo teatro que, para su puesta en escena, exigía una renovación
de todos los elementos previos a la puesta en escena de un texto dramático:
actores, tramoya, dirección, etc Estas, junto a escenas supuestamente
indecorosas, son las razones por las que durante mucho tiempo se auguró que el
teatro de Valle era un teatro para ser leído y no para ser representado. En la
actualidad, algunos excelentes montajes de sus obras demuestran lo equivocado
de esta afirmación.
- Se distinguen tres grandes etapas en su obra
novelística y teatral. Hay que tener que no siempre se sigue un orden
cronológico, pues continuamente vuelve sobre estilos ya practicados.:
1-
Obras modernistas. En teatro son modernistas por métrica y temas Cuento
de abril (1909), primera obra escrita en verso, y Voces
de gesta (1911), que es una tragedia pastoril relacionada con la guerra
carlista.
2-
Etapa de transición: se inicia
con las tres obras teatrales que conforman las Comedias bárbaras
(Águila de blasón (1907), Romance de
lobos, (1908) Cara de plata (1922) Aunque seguimos en un
ambiente rural gallego, ahora aparece con toda su miseria. En él se mueven
personajes extraños y violentos, movidos por fuertes pasiones. El lenguaje es
más fuerte y agrio, aunque no pierde su musicalidad y belleza.
Aunque el texto está escrito en forma teatral, la técnica es diferente a la de cualquier
obra de teatro. Al lado del diálogo existen largas acotaciones narrativas.
Valle, a la vez que siente una predilección por el género dramático, se muestra
disconforme con la técnica tradicional y ensaya otras nuevas. Por eso las Comedias
bárbaras no pueden adscribirse a un género determinado (narrativa o
teatro), ya que participan de rasgos comunes a ambos. Estamos ya ante un teatro
libre, que en su tiempo se consideró irrepresentable.
- La culminación de este ciclo es Divinas
palabras. Seres diabólicos, irracionales y monstruosos pueblan esta
obra, en la que la avaricia y la lujuria desencadenan todos los conflictos. El
argumento nos sitúa de nuevo en los caminos y aldeas de Galicia. La acción gira
en torno a la lujuria, representada por Mari Gaila y la avaricia con que ésta
y su cuñada, Marica del Reino, se disputan la explotación del enano Laureañino
el Idiota a la muerte de su madre, que ya obtenía grandes beneficios
exhibiéndolo en ferias. El lenguaje desgarrado y brutal se corresponde a la
realidad representada.
3-
El esperpento: Hace su aparición en 1920 con Luces de bohemia,
que es la culminación de un estilo que ya aparecía en las obras anteriores. Le
seguirán Los cuernos de don Friolera (1921), Las galas del
difunto (1926) y La hija del capitán (1927),
recogidos después bajo el título común de Martes de carnaval
- El esperpento es una estética y una visión del mundo nuevas basados en
la deformación sistemática de personajes y valores, con la que ofrece una
denuncia de la sociedad española contemporánea. Lo esperpéntico es una manera
de ver el mundo, un reflejo deformado de una realidad ya deformada, que nos
revela el verdadero rostro de la vida española.
El
esperpento se encuadra dentro del expresionismo, en el que se exageran
determinados aspectos de la realidad, como ocurre en las caricaturas, con el
fin de hacerlos calar más hondo en la conciencia de los espectadores.
- El mismo Valle Inclán decía que había tres
formas de ver el mundo: de pie, mirando a los protagonistas como si fueran
nuestros hermanos (arte realista), de rodillas, dando a los protagonistas una
condición superior a la humana (epopeya) y desde el cielo, considerando a los
personajes como seres inferiores. Esta última es la forma que llevó a Valle a
escribir sus esperpentos.
- El esperpento consiste en aplicar a
personajes y situaciones una óptica degradada, como un espejo cóncavo
distorsiona y ridiculiza la apariencia. Para Valle la realidad española era una
deformación grotesca, por lo que el arte que quiera representarla debe
distorsionaría mediante la animalización de los personajes, produciendo risa y
horror a la vez.
- Esta técnica le posibilitaba distanciarse de
sus personajes y no dejarse llevar por el sentimentalismo, lo cual le haría
perder el control de la obra. Como si fuera un titiritero, se considera
superior a sus personajes, los cuales sólo le divierten sin llegar nunca a
producirle pena.
- Otra de las características del esperpento es
su relación con la realidad histórica del momento. Los títeres son españoles
cuyas acciones están dentro de un marco histórico determinado que aparece así
satirizado. En su conjunto constituye un ataque brutal contra las instituciones
y costumbre tradicionales.
- Por otro lado, el esperpento comparte con
gran parte de la literatura contemporánea su gran preocupación existencial.
Valle, como posteriormente los existencialistas, cree que el hombre tiene en
sus manos su salvación y su autenticidad, siempre que sea consciente de lo
absurdo de su existencia. En Luces de bohemia, coloca a un
hombre (Max Estrella) en una situación crítica y lo encara con el absurdo de su
propia vida. Al final, Max se cansa de su propia tragedia, la ve como una farsa
y no puede sino reírse de ella y rechazarla como absurda. Esta iluminación
final hace que Max deje de ser un títere y se convierta en un ser auténtico
consciente de su propia condición absurda.
- Luces de bohemia: Es la primera obra a la que Valle Inclán da
el nombre de esperpento, además de
contener la teoría del nuevo arte.
- La obra cuenta la última noche de la vida de
Max Estrella, poeta miserable y ciego que, acompañado de su lazarillo Latino de
Híspalis, recorre distintos lugares de un Madrid absurdo (liberrías, tabernas,
cafés, calles, despachos de Ministros, etc) y en todos encuentra motivos para
la desolación. Desesperanzado, Max se deja morir. Valle se inspiró en la figura
del novelista Alejandro Sawa, que fue un escritor modernista que murió
miserable, ciego y loco en 1909. Valle Inclán admiró y quiso profundamente a su
amigo Alejandro. Pensaba que era un genio, pero que tenía la desgracia de no
saber expresar plenamente todo lo que atesoraba en la cabeza. Sawa fue para
Valle Inclán un ejemplo de la verdad y la nobleza escarnecida por una moral
materialista basada en la productividad y el dinero.
- A través de este último viaje, Valle Inclán
pone sus espejos deformantes ante los más variados aspectos de la realidad
española, mostrando la desintegración política de la España del momento.
Más de cincuenta personajes
pueblan la obra, la mayoría inspirados en seres reales. Casi todos aparecen
deformados y animalizados, como corresponde a la estética del esperpento.
- Especialmente interesante es su inspiración
cinematográfica en la sucesión de escenas. Rechaza el escenario único y las
largas declaraciones de los personajes, para oponerles la variedad espacial y
el ritmo vertiginoso del cine.
- En cuanto al lenguaje, destaca por la
variedad de registros empleados. Es frecuente el uso paródico de citas
literarias, ya que contrastan con la situación en que se dicen. Pero lo más
destacable es el empleo del lenguaje castizo del momento.
En este sentido, es también
admirable la construcción de sus diálogos. Suelen ser rápidos, a partir de una
sucesión de réplicas cortas.
- Por último, no deben olvidarse sus magnificas
acotaciones. Más que servir para precisar para el director de escena la
composición del escenario y la actuación de los actores, son auténticas piezas
literarias autónomas de una gran visualidad expresionista. Combina técnicas
impresionistas (rápidas pinceladas a partir del empleo de la frase nominal) con
expresionistas (deformación de la realidad), consiguiendo una gran calidad
pictórica. Cabe destacar los efectos luminosos a través de juegos de luces y
sombras.
- En conclusión, nos encontramos ante una obra
absolutamente renovadora para su época, pero que sigue aún vigente temática y
formalmente.
4-
EL TEATRO INNOVADOR QUE TRIUNFA: GARCÍA LORCA
-
Su relación con el teatro fue tan intensa como con la poesía. A pesar de no dedicarse seriamente al teatro más que en los últimos años de su
corta vida, su obra constituye una de las cumbres del teatro contemporáneo
español y universal. Solo en él se darán conjuntamente el intento renovador y
el triunfo escénico.
4.1-Características:
Podemos encontrar tres características constantes en su teatro:
1-
Siempre es poético, lo cual no signifique que siempre estuviera en verso. Este
rasgo proviene, en primer lugar, del lenguaje de los personajes, lleno de
imágenes, incluso en los momentos de pretensión realista más clara,. El gran
hallazgo de Lorca fue combinar esto con un claro sabor popular. Además, hay un
gran simbolismo en la ambientación de muchas escenas.
2-
Es un teatro experimental. A pesar de éxito en taquilla de algunas obras como Yerma y Bodas de sangre,
jamás escribió un teatro comercial. Era consciente de la necesidad de emplear
todos los recursos posibles para la eficacia de la representación. En ella,
además de la palabra, cobran importancia otros componentes como la música, la
danza y la escenografía, configurando así un espectáculo total. Esto también
explica la variedad de géneros que cultivó: teatrillo de guiñol, drama
simbolista, teatro surrealista, la tragedia, el drama urbano y rural, etc
3-
Es un teatro unitario temáticamente. El tema dominante en casi todo su teatro
es siempre el mismo: el enfrentamiento entre el individuo, cuyas armas son el
deseo, el amor y la libertad, y la autoridad, es decir, el orden, el
sometimiento a la tradición, a las convenciones sociales y colectivas. Este choque
conducirá siempre a la frustración. Es por ello por lo que lleva a escena
destinos trágicos, seres condenados a la infelicidad por el choque entre sus
deseos y lo que la realidad le ofrece. Hay una mayoría de protagonistas
femeninas, ya que sobre ellas se cierne en mayor medida que en los hombres, la
amenaza de la frustración.
4.2-
Etapas: Etapa inicial: Comienza su trayectoria dramática con un
estreno juvenil estrenado en 1920 y que fue un fracaso: El maleficio de la mariposa (1920). En él ya se observa el
tema amor-muerte.
- Su primer gran éxito Mariana Pineda
(1923). Mariana Pineda, heroína ajusticiada en 1831 por haber bordado una
bandera liberal, es la primera criatura humana del teatro lorquiano cuya
vocación de libertad y amor sólo encontrará salida en la muerte.
- En 1926 traza ya una pequeña obra maestra, La zapatera prodigiosa, que trata de una joven hermosa
casada con un zapatero viejo. Nuevamente tenemos el conflicto deseos-realidad,
representado en la figura de la zapatera que lucha con la realidad que le cerca
y que le impide ser libre.
- En la misma línea trágica se encuentra el Amor
de don Perlimplín con Belisa
en su jardín (1928)
- Algo posterior es Retablillo
de don Cristóbal (1931), farsa para guiñol, en la que Lorca
introduce el juego del teatro dentro del teatro.
Etapa vanguardista: La crítica dice que Lorca empezó a
interesarse seriamente por el teatro en los primeros años de la
República , tras su decisivo viaje a Nueva York y a raíz de su trabajo con La
Barraca , compañía teatral formada principalmente por estudiantes y aficionados,
cuya principal misión era hacer giras por el país presentando a los españoles
que no habían ido nunca al teatro obras de autores clásicos
- Es en estos momentos cuando se produce la irrupción
en su teatro del surrealismo, a través del cual expresó en escena toda una
serie de problemas interiores
Son
comedias escritas bajo el influjo surrealista, aunque bajo una aparente
incoherencia existe un sentido global consciente. Sin duda, resultan esenciales
como testimonios que nos permiten conocer la psicología y las pasiones más
íntimas de Lorca.
- Por otro lado, son obras muy audaces para el
teatro del momento. de hecho El
público no se pudo estrenar hasta 1987.
El público: Sólo se ha salvado un borrador
no definitivo, de 1930, ya que la versión definitiva se ha perdido. En ella hay
una sucesión de personajes que encarnan las obsesiones y conflictos secretos de
Lorca. A través de un lenguaje surrealista se percibe una reivindicación del amor
homosexual y una crítica a la sociedad (el público), que condena y crucifica al
homosexual.
Así que pasen cinco años (1931) Nos ha llegado más
elaborada que la anterior. De nuevo se nos plantea el tema de la frustración
íntima, a partir de un joven obsesionado por un ansia de paternidad imposible.
El Joven lleva cinco años esperando para casarse, durante los cuales no atiende
al amor de la Mecanógrafa. Expirado el plazo, la
Novia prefiere l jugador de rugby y el joven busca a la Mecanógrafa , quien le impone otros cinco años de espera.
Etapa de plenitud: Tras estos intentos de teatro
vanguardista, Lorca dará un giro decisivo hacia un camino propio que intentará
hermanar rigor estético y alcance popular. Son años en que Lorca declara su
ansia de una comunicación más amplia.
- Por este camino encontrará a la vez la plenitud de
su arte dramático y un éxito multitudinario.
-Bodas de sangre (1933)
Se inspira en un hecho real ocurrido en Níjar(Almeria) en 1928, donde en una
boda se fugó la novia con un primo que caería luego asesinado por un hermano de
ella.
- La crónica periodística de este suceso proporcionó
a Lorca un argumento cuya trascendencia última era una reflexión sobre un amor
que quebranta las estructuras sociales y familiares y, por ello, es condenado a
no realizarse.
- La boda ha sido concertada por el Padre y la
Madre por razones económicas, por lo que el fondo de la tragedia es la unión de
los sexos más allá de la libertad. Antes y después de la boda el tema central
es la lucha y la resistencia de la Novia a su pasión por Leonardo. Sin
embargo, la Novia y Leonardo huirán juntos,
arrastrados por la misma fuerza, la cual desborda barreras morales y sociales.
- A partir de este momento se quiebra el realismo de
la obra para dar paso al simbolismo poético, cuya culminación es la aparición
en escena de la Luna y la
Muerte.
- La obra concluye con la muerte del novio y de
Leonardo, uno en manos del otro, aunque el poeta nos hace saber que en realidad
es el destino, que los ha elegido de antemano, quien los mata.
- Yerma: (1934) El mismo Lorca la
calificó como la tragedia de la mujer estéril. Yerma, la protagonista, se
resiste a lo largo de toda la obra a aceptar su esterilidad, pues la siente
como una ofensa y una humillación. Cuando finalmente la asuma y conozca que a
su marido no le importa, ni le ha importado nunca el hijo, lo matará porque así
se convierte en autora y creadora de su propia esterilidad. La muerte del
marido en sus manos es su último acto de rebelión contra el destino.
Doña Rosita la soltera (1935)
Esta obra pierde ya el carácter rural de las dos anteriores aunque, como ellas
trata de la frustración de la mujer.
- Presenta la vida de una doncella granadina que con
el paso del tiempo se convierte en una solterona esperando a su amado que nunca
vuelve porque se había casado.
- Igual que la zapatera prodigiosa recreaba la
realidad al margen de los demás, doña Rosita hace lo mismo y sigue confiando
íntimamente en su vuelta aunque en realidad sabe que la ha engañado.
- Al final reconoce que no es el engaño lo que le
duele, ya que lo sabia todo, sino que los demás lo supieran y lo comentaran
desposeyéndola así de su ilusión.
La casa de
Bernarda Alba (1936) Fue escrita pocas semanas
antes de ser asesinado. Los críticos la consideran su obra maestra, la que pudo
ser la primera del ciclo de plena madurez, pero que, desgraciadamente, fue
también la última.
- La acción transcurre en un espacio cerrado,
hermético, donde se desarrolla el conflicto entre dos fuerzas mayores: el
principio de autoridad encarnado por Bernarda, que quiere imponer el luto por
la muerte de su esposo durante dos años, y el principio de libertad
representado por las hijas. Nos volvemos a encontrar ante una frustración
irreparable.
- Bernarda representa el principio de autoridad en
estado puro. Así lo indica el bastón que siempre lleva en escena. Representa
también las convenciones sociales y morales más anticuadas: preocupada por el
qué dirán, opone la decencia, la honra y la obsesión por la virginidad frente
todo lo concerniente a lo sexual.
- Frente a este autoritarismo casi irracional, las
hijas representan un abanico de actitudes que van de la sumisión a la rebeldía.
Adela, la más joven, es la encarnación de la abierta rebeldía, pero la suya
será una rebeldía trágica.
- Gran importancia tiene un personaje que no aparece
en escena pero que está omnipresente: Pepe el Romano. Es la encarnación del
hombre, y actúa como catalizador de las fuerzas encerradas en la casa. Es el novio
de Angustias (la mayor y heredera de una envidiable fortuna), pero está atraído
por la juventud y belleza de Adela, y, a su vez, es amado por Martirio.
- Esta obra representa a la perfección la unión de
realismo y poesía tan constante en el teatro de Lorca. Por un lado tenemos toda
una serie de detalles costumbristas que nos informan de la vida en un pueblo
andaluz, pero, por otro, existe una indudable dimensión simbólica: frente a la
casa, el mar o el campo serán símbolos de libertad. El agua y la sed son vida y
anhelos. Evidente es la significación del vestido verde con que Adela rompe su
luto.
- En la misma línea se encuentra el lenguaje. Sin
recurrir en vulgarismos fáciles, consigue un intenso sabor popular como lo
demuestran muchas expresiones. Pero sin renunciar a este sabor popular, son
abundantes todo tipo de imágenes y comparaciones en boca de todos los
personajes.
